El dúo neoyorkino Xeno y Oaklander nos visita esta semana y será una oportunidad única para ver a una banda que, manteniendo un enfoque purista y un respeto total por los sintetizadores analógicos, no se han negado a la convivencia con lo digital.
Comenzaron dentro del synth-pop más minimalista, pero han ido avanzando musicalmente hasta derroteros más barrocos, sin renunciar a su característico sello. Respetados en los circuitos más selectos de la electrónica de vanguardia, ahora presentan su último trabajo; Negativo (Dais Records 2024) con una serie de conciertos a modo de espectáculo audiovisual, en los que prometen cero cortes y pausas, como ellos mismos nos cuentan en esta entrevista.
“El movimiento es energía. La fluidez siempre es importante en el arte y es importante mantener la flexibilidad para evitar ceder bajo climas rígidos, dictados por la crueldad de visión estrecha en esta época que vivimos”.
Via Negativa es vuestro noveno álbum de estudio. Lo primero de todo: felicidades por este trabajo. Creo que mantiene vuestra capacidad de sorprender mientras conserváis estilo musical y firma atemporal.
¿Qué significado tiene para vosotros el título del disco?
Liz Wendelbo: Gracias Fernando por tomarte el tiempo en esta entrevista. Negativo es el estudio de lo que no se debe hacer. Es entender lo negativo para ver lo positivo. Imagina una foto polaroid: comienza sin exponer y negra, y a medida que la expones a la luz a través del lente de la cámara, aparece una imagen positiva – lentamente.
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Tus canciones tienen un componente visual fuerte, casi cinematográfico. ¿Es algo premeditado, o surge orgánicamente mientras trabajas en el estudio?
LW: Pues no sé qué decirte, supongo que así es como funciona la inspiración, diferentes sentidos se disparan entre sí y se hacen conexiones entre lo que escuchas en la música, lo que ves, lo que hueles y lo que sientes y saboreas. Si una canción es buena, todos los sentidos se acceden.
Tengo la sensación de que Nueva York siempre ha sido como otro personaje en la narrativa de Xeno & Oaklander. ¿Cómo influye la ciudad en vuestras canciones, especialmente en un momento en que las grandes ciudades han cambiado tanto y a menudo se convierten en atracciones turísticas?
LW: Tienes razón, Nueva York es un personaje para nosotros. Un personaje con el que tenemos una relación conflictiva. En los directos, durante la canción “Afar”, me gusta proyectar un cortometraje que filmé de las calles de Nueva York. Lo filmé desde un coche en película analógica Super 8 en blanco y negro. Son principalmente breves destellos de escaparates, letreros de boutiques, gente trabajando, edificios y alcantarillas, plantas, unidades de aire acondicionado, tráfico.
Las calles de Nueva York prometen cosas, la promesa de movilidad y estilo, vida en movimiento a pesar de la naturaleza, cultura desde una vista a nivel de calle… La mezcla discordante de trabajo y vida que es típica de Nueva York como ciudad es lo que crea su energía.
También te comento que, recientemente, trasladamos nuestro estudio de trabajo/vivienda a una casa moderna de mediados de siglo una hora al norte de Nueva York en Connecticut. Necesitábamos espacio y permanencia para que todos los sintetizadores vivieran.
Vuestros primeros años estuvieron marcados por la escena underground y los espacios DIY. ¿Qué recuerdas con cariño de esa era, y cómo ves la escena musical independiente actual en comparación con estos tiempos?
LW: Hacíamos música desde casa entonces y así lo seguimos haciendo ahora, así qué; eso no ha cambiado. Y seguimos haciendo todo nosotros, por lo tanto, seguimos siendo DIY. Sin embargo, los clubes, los lugares, son radicalmente diferentes a la antigua escena musical. El lado positivo es que los sistemas de sonido son bastante más potentes ahora.
¿Cómo describirías la evolución de Xeno & Oaklander desde Vigils hasta Via Negativa? ¿Qué sentís que habéis ganado o perdido desde entonces?
LW: Probablemente pasamos del “minimal” a loa máximo en términos de densidad de sonido, eso es lo que nos mantiene emocionados. Probablemente hemos perdido bastantes noches de sueño en todo nuestro proceso como grupo, pero no puedes llegar a algo significativo en el arte, sin un poco de obsesión.
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Como dúo que ha trabajado juntos durante años, ¿cómo manejáis las diferencias creativas? ¿Qué papel juega cada uno en el proceso?
LW: La intuición juega un gran papel. Simplemente nos conectamos con las melodías del otro y luego nos desviamos hacia armonías extrañas y nos volvemos a conectar. Sean tocará una parte en el piano y mi voz se conecta con ella, luego encontramos formas de conectar con otra parte musicalmente. Nuestras canciones tienen muchas partes y la clave es la conexión y por lo tanto la comprensión mutua.
Esta pregunta es para Sean. Siempre has sido conocido por tu devoción a los sintetizadores analógicos. ¿Cómo ves la coexistencia actual entre la música electrónica clásica y los enfoques más tecnológicos o digitales, o lo que sería la música electrónica hoy día?
Sean McBride: En cuanto a la distinción entre lo analógico y lo digital, si lo digital está al servicio de proporcionar un mayor control y variabilidad al parche modular que se está utilizando, entonces lo doy la bienvenida; sin embargo, si reduce el rango de opciones a un preset, o una pregrabación, reduciendo el ámbito de la tecnología un algoritmo preestablecido ¡No gracias! Sin embargo, en mi caso, con la excepción de algunos procesadores de efectos y secuenciadores, uso muy poco digital.
He visto fotos de tu estudio o espacio de grabación. Es algo de ensueño para los fans de los sintetizadores analógicos como yo, un sueño. Pero entiendo que, para los directos, especialmente giras, debes minimizar el equipo. ¿Podrías compartir con nosotros qué sintetizadores y máquinas llevas al escenario?
Sm: Para el show en vivo he minimizado mi configuración a dos y medio estuches de eurorack modular, oberheim matrix 1000 (para polifonía) y un increíble MPC live 2 para secuenciación básica. Uso solo una muestra que hice de la voz de Liz (2.5 octavas) que convertí en un instrumento de teclado polifónico. Toda la percusión está hecha de varios módulos: los hi hats/percusiones metálicas son un ensamblaje de tres ondas sinusoidales afinadas y ruido blanco, por ejemplo. Uso una serie de interruptores de encendido/apagado para puertas y algunos mutes que también están en interruptores.
Realmente me encanta el timbre de dannysound, del cual tres se pueden encontrar en mi equipo en vivo. Tengo módulos de Addac, north coast synthesis, random source, doepfer, frap tools, topponrillo, tiptop y Venus instruments. Para efectos, tengo dos Eventide h90s, principalmente para coros, flanging y retrasos de modulación cortos. Es una interfaz muy cómoda y todo está fácilmente al alcance y muy jugable.
Volvamos a Lisa. Después de siete años, volvéis a España. ¿Qué diferencias notas entre el público europeo y el estadounidense? ¿Hay algo en particular que te emocione de tocar aquí de nuevo?
LW: Siete, ese es un número de la suerte. Oh espera, tocamos en Barcelona en el Festival Ombra en 2022, así que técnicamente son solo tres años sin volver a España.
Bueno, el público español es el mejor y lo digo en serio; apasionado, honesto y hedonista.
La gira europea incluye diferentes países y ciudades, lo que significa diferentes culturas, o al menos diferentes maneras de disfrutar la música ¿Alguna vez adaptáis el setlist dependiendo del lugar donde estás actuando?
LW: En esta gira hemos trabajado una lista de canciones específica para crear un ambiente que está ligado con colores y visuales, así que, en ese sentido está creada como una obra de teatro – es un ambiente que llevamos al público. Es sin interrupciones, por lo que definitivamente es un espectáculo visual y sonoro que moverá a la gente. No habrá cambios en los setlists.
