La Juventudel título del nuevo y flamante largo de Kokoshcano es solo un estado de ánimo sino también una clara alusión a lo bien que le sienta el paso del tiempo a sus canciones.
Como buenos corredores de fondo, han ido consolidando un discurso inquieto e inconformista que ahora sirve de inspiración para un catálogo de bandas que vuelven a apostar por la importancia de las guitarras a la hora de definir su sonido, algo de lo que da buena cuenta No Sonamos Mal. Crónica oral de la nueva escena indie de guitarrasel nuevo libro de la editorial Musical.
Charlamos con Iñaki Lópezsu carismático cantante y guitarrista, sobre este brillante retorno que suena a clásico instantáneo, como ya nos tienen acostumbrados.
«Al revisar el material que habíamos hecho esta vez vimos que las canciones tenían en común un sentido de juventud, pero no desde el “Peterpanismo”sino como si fuésemos un medio para reflejar estas energías desde nuestra madurez»
Tenéis un podcast llamada La Juventud y habéis titulado también así al disco. ¿Qué representa para vosotros este concepto?
Creemos que es un estado en el que empiezas a diagnosticar ciertas críticas y a darte cuenta de que las cosas quizás no sean como te han contado. Es un tiempo para hacer tu camino pero a la vez no tienes ni puta idea de cómo empezar, hablo de la adolescencia en general. La juventud es un estado mental en el que crees que tu historia personal aún está por escribir, tienes energía y eres un poco inconsciente. Eso por definición, no lo que sentimos nosotros. En cuanto al disco sí que le hemos dado ese rollo conceptual pero no de manera premeditada. Nosotros hacemos canciones en un periodo de tiempo, según lo que vivimos y sentimos en ese momento, y al revisar el material que habíamos hecho esta vez sí que vimos que las canciones tenían en común un sentido de juventud, una energía similar entre ellas, pero no desde el “Peterpanismo” sino como si fuésemos un medio, un contenedor, para reflejar estas energías desde nuestra madurez, con algún toque paternalista o elementos nostálgicos.
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Abrís el disco con un discurso de Pepe Mujica, expresidente uruguayo y gran referente en la lucha por los derechos sociales. ¿Creéis que hace falta más gente como él tomando decisiones?
Sí, claro. Hace falta más humanistas y menos tecnócratas. Hace falta ente menos vendida al mercado y que mire más por los ciudadanos.
Repartís más las tareas vocales en este disco que en los anteriores.
Es probable, la verdad es que no lo hacemos de manera consciente. Hay canciones que piden más el timbre vocal de Amaia y otras en las que jugamos más a esa dualidad rollo Pimpinela (risas) de chico y chica y otras como “Parkour” en las que canto yo más como voz principal. Las canciones son las que te llevan a eso.
¿Cómo funcionáis a la hora de componer teniendo en cuenta lo marcado de vuestras personalidades por separado?
Hay una variedad de maneras pero sí que se repite un patrón. Al no vivir todos en la misma ciudad, es difícil juntarnos y ensayar en el estudio, me gustaría que eso fuese mucho más a menudo. Hay veces que yo compongo melodías o las compone Amaia y las comparte. A veces todo empieza de manera absurda, como por ejemplo con un riff, o un “lalala” o simplemente copiar una canción y modificarla sin que nadie se dé cuenta. En cuanto a las letras, Leonard Cohen decía “te estás metiendo en terrenos divinos, mejor no voy a responder” (risas), pero yo te voy a responder. La verdad es que es lo que se nos ocurra en ese momento. Una vez que ya tienes la idea, vas a por ello, y ya es trabajo, trabajo y trabajo y luego puesta en común. Si yo saco una línea adelante, la comparto con Amaia y ella la termina o viceversa, o vamos al local y se modifica, y en este caso han ido surgiendo. En este disco hay varias de estas modalidades, pero sí que es verdad que la etra suele venir después. Tienes una frase o una idea y la vas trabajando. Por ejemplo, “Sácame A Bailar” va sobre la idea de que hace tiempo que no ves a los demás, y piensas “va, sácame a bailar”.
Hablemos del single “Parkour”, que a simple vista puede servir de reclamo para aquellos que vivimos en ciudades convertidas en parques temáticos.
Es una oda individualista. Podría ser la equivalente a “Un Metro Cuadrado” de Vainica Doble. Habla de seguir tu camino que igual no es el más recto, por eso metemos el concepto de parkour, en el sentido de sentirte libre e ir a tu bola con lo que ello conlleva. Tiene esa energía de salir a la calle y desconectar de aquello que te está quemando, pero luego sales a la calle y ves obras y ruido. Esta canción es mía, fui al local y les dije que tenía una canción llamada “Parkour” y me miraron en plan “¿qué dices?”. Reclama libertad.
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Os tomáis vuestro tiempo ente disco y disco.
Bueno, sacamos disco en 2021, un EP al año siguiente y este disco estaba grabado en enero de 2024. La historia es que por fechas de promoción y organización del propio sello, decidimos hacerlo así. Creo que llevamos un buen promedio. La gente saca un single cada tres meses y parece que está más repartido. También es verdad que al vivir cada miembro de la banda en ciudades diferentes, es más difícil. Además, cuando no viene la inspiración hay que trabajarla, pero vamos bien.
¿Cómo surge la idea del podcast ‘La Juventud?
Pues mira, en estos tiempos de promoción no nos sentimos a gusto con determinados patrones, desde el sello tuvimos una reunión y salió esta idea que nos gustó a todos. Yo ya tuve un podcast en el pasado. La idea es dar voz también a la gente para que nos comparta lo que quiera y está funcionando. Queremos seguir con él. También hacemos entrevistas.
En uno de los capítulos, Ana Pacheco clasifica vuestros temas en “canciones para no olvidar a alguien, canciones para no trabajar y canciones para no acabar la fiesta”.
Nos gustó porque fue como un psicoanálisis del que nosotros no éramos conscientes. No todas nuestras canciones van de eso pero sí es una temática que puede repetirse.
«Ser artista en un país como España, es lo más underground que puedes ser»
Siempre me han parecido importantes las letras en vuestro discurso. Siendo actualmente una banda de pop, combináis el lado emocional y el social y comprometido en los textos. Disparáis con la ironía que también comparten Los Punsetes, por ejemplo, pero sin su mala hostia, digamos.
Es cierto que Los Punsetes quizás tienen más mala hostia y nosotros buscamos, por decirlo de algún modo, hacer un tipo de canción más universal, pero la actitud punk la tenemos. Ser artista en un país como España, es lo más underground que puedes ser (risas). Sí que hemos mantenido esa actitud contestataria, crítica y ácrata en la vida.
Habéis repetido grabación con Raúl Pérez en La Mina. ¿Qué consigue sacar de vuestro sonido que os lleva a repetir?
Yo hago la preproducción digamos “estética” en mi estudio a nivel bofetada, y con eso vamos a Rail que tiene un concepto de crear una unidad sonora, de darle empaque a todo, porque igual yo le mando una canción que suena a electropop y otra funk. Es muy gratificante trabajar con él porque le da sentido a todo y nosotros no podemos acceder ese lado del asunto. Es difícil encontrar a alguien así, nos suma.
Tras dieciséis años en la brecha, ¿cómo percibes el cambio desde vuestros inicios a nivel de escena, logística…?
En un capítulo del podcast entrevistamos a Ariadna de Punsetes y a Diego y a Martín de Carolina durantey salió ese tema. Y veníamos a convenir que de esa generación de la época myspace quedamos pocos: Mujeres, Los Punsetes, Triángulo de Amor Bizarro y nosotros. Me cuesta decir alguno más de esa época alrededor de 2006-2007. Ahora las demandas son otras a nivel de inmediatez, pero hay algo positivo ahora en términos de industrializar la escena underground sin ruborizarse. Creo que en España no había de eso. Ahora se realza más el perfil individual.
